Ce concerto en quatre mouvements adopte une approche singulière de l’orgue. Délaissant toute virtuosité, l’instrument ne cherche pas à rivaliser avec l’orchestre ; il le soutient, notamment par la tenue infinie de ses sons, mais surtout, il s’impose souvent seul, souverain, tel un grand corps sonore.
Le premier mouvement s’ouvre sur un bref motif qui se propage à travers l’orchestre, comme si chaque instrumentiste initiait une conversation collective. De cette effervescence naît un thème rythmique enjoué, qui culmine dans l’entrée triomphale et soudaine de l’orgue. Peu à peu, la musique devient plus tourmentée et complexe, mais les deux thèmes restent constamment présents.
Le deuxième mouvement met en scène un effectif restreint : les cordes, l’orgue et quelques bois. La musique, à la fois poétique et mystérieuse, se déploie dans un clair-obscur d’harmonies suspendues et de motifs mélodiques fugaces.
Le troisième mouvement s’ouvre dans un tempo modéré et réintroduit le thème rythmique du premier mouvement, lui conférant des allures de mélodie ancienne.
L’orgue apparaît seul et déploie une passacaille. Instrument cérémoniel, il instaure un rituel sonore qui s’étend en une vaste passacaille tragique et déchirante, où l’orchestre, emporté dans cette tension implacable, s’épuise dans un déchaînement de puissance.
Le quatrième mouvement rompt cette énergie tragique avec le retour éclatant de l’orgue. Ce bref final alterne les deux thèmes avant de s’achever dans une ultime montée en tension, où orgue et orchestre fusionnent dans une explosion sonore libératrice.

1. Das Wort
2. Prière
3. Hymne
Poèmes de Marilène Meckler et Jean-Baptiste Robin

Ces trois pièces ont été composées au printemps 2020 lors du premier confinement de la population française face à la propagation du coronavirus.
Ce contexte exceptionnel fut un lien inattendu avec le sujet même de la commande de l’œuvre : la guerre, l’incertitude, l’union des peuples et la liberté retrouvée au lendemain de la seconde guerre mondiale.
C’est donc ici à la fois la crise de 1939-45 qui est exprimé, mais aussi, par son ressenti, celle de 2020. Les textes inédits alternent le français et l’allemand et illustrent la réunion de ces deux pays après le conflit...

Cette pièce met en avant deux idées distinctes : le temps et l'homme. Le premier élément, un bref tic-tac rythmique immuable en pizzicato des cordes, évoque à la fois le temps et un astre tournoyant. Le deuxième élément est une mélodie énoncée en valeurs longues dans la tessiture grave des violoncelles, qui gagne progressivement l'aigu (violons). Cette longue ligne ascendante s'apparente à une prière adressée au ciel. Les deux idées s'opposent puis se superposent, comme si les thèmes de l'astre et de l'homme cherchaient à se toucher et à se réunir. Apparait alors le hautbois qui reprend la prière mais dans un climat très joyeux...

Le temps, dans cette pièce pour grand orchestre, est un personnage à part entière. Présent d'un bout à l'autre de l'oeuvre sous la forme d'un tic-tac, il circule entre tous les instruments.
Après une brève et énergique introduction, le tic-tac apparaît pour la première fois aux percussions, plus précisément aux Temple blocks. Ce motif sonore renait sans cesse dans l'orchestration et s'entoure d'éléments musicaux tournoyants (mélodies circulaires, balancements, modes symétriques, etc.), de sorte que l'on a l'impression d'être immergé au c'ur du temps.
Sombre, espiègle, emporté, héroïque? le tic tac revêt différents caractères et apparaît progressivement comme une lame qui blesse, laisse des cicatrices, ne s'arrêterait jamais.
Au centre de l'oeuvre, cet emportement s'atténue et cède la place à un éclairage plus lumineux : solos successifs confiés à la clarinette, au hautbois, à la flûte, au cor anglais sur des sonorités célestes.
La pièce culmine dans un final d'accords stridents et implacables qui évoquent le cycle des vingt-quatre heures. Le temps lutte en vain contre son effondrement avant de sombrer dans le néant.
Jean-Baptiste Robin

Le chant tendre et nostalgique du début apparaît dans une atmosphère profondément paisible et lumineuse. Ce thème unique et omniprésent dans l'oeuvre, porté par des harmonies chaleureuses, ne cesse de s'élever, désespéré, jusqu'à atteindre un poignant climax.
Les portes d'une musique céleste s'ouvrent alors, les instruments restent suspendus dans le registre aigu tandis qu'un violon, Ange consolateur, s'introduit dans le discours.

Depuis longtemps je suis fasciné par l'horlogerie mécanique. Depuis les grandes horloges d'églises jusqu'aux montres automatiques récentes, ces objets mesurent le temps et semblent lui donner vie, comme une mystérieuse musique des sphères.
L'aspect tournoyant des cadrans est tout aussi envoûtant. Il se rapproche beaucoup des mélodies circulaires et des modes réfléchissants que j'ai théorisés il y a plusieurs années et que j'utilise de manière récurrente dans mes oeuvres.
En musique, l'orgue est probablement l'instrument dont le mécanisme est le plus complexe et il m'a semblait naturel de l'associer à l'univers de la mécanique. Les cordes s'associent quant à elles naturellement à un univers expressif et plus fantaisiste. Partant de ce constat instrumental, la raideur mécanique de l'orgue ou se combine à la fantaisie souple des cordes.

Cette pièce pour grand orchestre s'inspire des Crop Circles : des dessins géométriques énigmatiques qui redéfinissent certains paysages.
L'oeuvre pour orchestre débute par une mélodie qui se déroule en boucle - tel un crop circle - et sur un mode musical construit de façon parfaitement symétrique. Elle est directement suivie par un deuxième thème, plus lyrique, plus libre et aussi plus humain.
La première partie s'intensifie progressivement, les motifs tournoient de plus en plus et le tempo s'accélère jusqu'à une vitesse vertigineuse.

L'oeuvre utilise de manière presque systématique des modes et accords réfléchissants. Ils reposent sur un procédé très simple mais contraignant: chaque note est liée à une autre par symétrie.
Afin de conserver une certaine souplesse et afin sortir de ce fond structurel strict, j'ai choisi des territoires expressifs distants les uns des autres, mais toutefois liés par des éléments thématiques communs.
Ces distances concernent notamment les tessitures, les dynamiques, les timbres, mais elles sont aussi dues à des oppositions telles que le net et le flou, l'attendu et l'inattendu, le statique et le mouvementé, etc.
Un exemple: l'expression noire du début, sonnant dans l'extrême grave, avec des mélodies frêles et des glas lugubres, se retrouve plus tard métamorphosée dans l'aigu et accompagnée de délicates teintes lumineuses.